Durante agosto, mes de la fotografía, realizamos una charla-taller online sobre fotografía de danza que convocó a 150 participantes conectados. El expositor fue Marcos Oyarzún, comunicador audiovisual de profesión y fotógrafo especializado en danza, con 25 años dedicados a esta disciplina. La moderación estuvo a cargo de Eduardo Bravo, de Apertura, quien canalizó las preguntas del chat durante toda la sesión.
Lo que siguió no fue una clase de parámetros de exposición. Fue algo bastante más incómodo y más útil: una discusión sobre qué hace que una fotografía de danza valga la pena. Acá reunimos las ideas centrales, los datos técnicos concretos que entregó Marcos y el equipamiento que conviene tener a mano si quieres entrar en este terreno.
Antes de mostrar una sola fotografía, Marcos lanzó una pregunta al chat: ¿cuándo fue la última vez que compraste una entrada para ver danza? No que te invitaran a fotografiar, no que fueras por un amigo. Comprar la entrada, pasar por boletería, sentarte a ver la función.
Las respuestas fueron elocuentes. Varios contestaron "nunca". Y ahí está el punto de partida de toda su propuesta: para él, la fotografía de danza es una herramienta de mediación cultural. El objetivo no es que alguien comente que la foto es increíble, sino que alguien pregunte dónde puede ir a ver a ese bailarín.
"Si yo logré eso, siento que hice mi pega con la fotografía para esa función o para ese bailarín."
De esa premisa se desprende su fórmula: apreciar para registrar. En la medida en que entiendes y valoras lo que ocurre sobre el escenario, te resulta más fácil ponerlo en una fotografía.
De ahí sale también una distinción que, en sus propias palabras, "saca ronchas": para él, registrar bailarines y fotografiar danza son dos cosas distintas. Ambas legítimas, pero distintas. La primera documenta que alguien estuvo ahí; la segunda intenta decir algo sobre el movimiento mismo.
Marcos dedicó una parte importante de la charla a la historia, con un argumento simple: no se puede construir un presente fotográfico sin entender de dónde venimos.
El primero en diseccionar el movimiento fue Eadweard Muybridge, el mismo del famoso caballo al galope, que resolvió una apuesta sobre si el animal apoyaba siempre una pata en el suelo. Su sistema de múltiples cámaras disparando en secuencia derivó, años después, en el cine de los hermanos Lumière. Y también en el zootropo.
Pero el dato que sorprendió al chat fue otro: esa fotografía secuencial influenció a la pintura. En 1912 Marcel Duchamp pinta Desnudo bajando una escalera, que es exactamente eso: una secuencia de movimiento descompuesta y superpuesta en una sola imagen. Años más tarde, un colega lo fotografía a él mismo con múltiple exposición, cerrando el círculo.
Marcos también mencionó a Loie Fuller —bailarina, coreógrafa e inventora— y su danza serpentina, uno de los primeros registros en video de una bailarina.
Hay un eslabón más en esa cadena que vale la pena conocer, porque conecta directamente con el equipo que usamos hoy. En 1937, un ingeniero eléctrico llamado Gjon Mili conoció en el MIT a Harold Edgerton, quien había desarrollado la luz estroboscópica: destellos de duración extremadamente corta, capaces de repetirse a intervalos mínimos. Mili dejó la ingeniería, se pasó a la fotografía y trabajó para la revista LIFE desde 1939 hasta su muerte en 1984.
Lo que hizo con esa herramienta fue, esencialmente, retomar el proyecto de Muybridge con tecnología nueva: capturar varias fases de un movimiento en un solo fotograma. Y el sujeto que eligió una y otra vez fueron los bailarines. Fotografió a Martha Graham en su propio estudio, a Gene Kelly en secuencias de exposición múltiple, a la bailarina Nora Kaye ejecutando un paso de ballet. Sus estudios de movimiento están entre las imágenes más reconocibles del archivo de LIFE.
El detalle técnico importa: lo que congela el movimiento en esas fotografías no es la velocidad de obturación, sino la duración del destello. Es exactamente el mismo principio que hoy encuentras en los modos de congelamiento de un flash portátil moderno. Volveremos sobre esto más adelante.
Si hay un nombre que Marcos insistió en que había que googlear al terminar la charla, es Javier Pérez Castelblanco, para él el padre de la fotografía de danza en Chile. Entre los años cuarenta y 1970 desarrolló el grueso de su trabajo, ligado desde muy temprano al Ballet Nacional Chileno y al Ballet de Arte Moderno, fotografiando a figuras como Patricio Bunster y Virginia Roncal.
Marcos mostró una fotografía suya de esa época y planteó el desafío técnico: fue tomada con una cámara de medio formato e iluminación de tipo cinematográfico. Sin flash. Su conclusión va directo al fondo del asunto:
"Si uno sabe lo que quiere lograr y conoces bien tus instrumentos, tus herramientas, tu lente, tu cámara, tus luces, tú puedes lograr eso."
Como dato extra: la última fotografía que se le tomó a Violeta Parra, la que aparece en su último disco, es de Pérez Castelblanco. Su archivo está reunido en el libro Las fotografías de Javier Pérez Castelblanco. Archivo 1940/1970, y la revista Caption le dedicó un ensayo a su obra.
Marcos organiza su trabajo en tres terrenos, cada uno con exigencias técnicas distintas:
Esta fue probablemente la frase que más movió el chat. Marcos afirma no haber tomado jamás una fotografía en ráfaga. La razón no es purismo: es que su trabajo consiste en anticipar el momento, no en cazarlo por acumulación.
¿Cómo se llega ahí? Estudiando la disciplina. Para fotografiar flamenco aprendió a tocar cajón, porque era la única forma de entender la métrica y saber cuándo venía un remate o un congelado. Para danza oriental aprendió algo de darbuka. Si entiendes la estructura de la música, sabes cuándo viene el momento.
Antes de una producción grande en el Teatro Municipal, cuenta haber asistido a tres ensayos completos en sala, a la tertulia donde explican la obra, a un preensayo general y al ensayo general. Recién ahí dispara.
Un asistente preguntó por velocidad, diafragma e ISO mínimos. La respuesta de Marcos fue "depende absolutamente de las condiciones", pero entregó sus propios números de trabajo en teatro:
| Parámetro | Su configuración en el Teatro Municipal |
|---|---|
| Cámara | Nikon D500 (DSLR APS-C, ya descontinuada) |
| Lente | 70-200mm f/2.8 — "mi regalón" |
| Velocidad | 1/250 s aproximadamente |
| Diafragma | f/2.8, asumiendo pérdida de foco a cambio de luz |
| ISO | 3200 a 4000 |
| Ráfaga | No usa |
Vale la pena detenerse en esto: trabaja con un cuerpo descontinuado. Lo que valora de él es que es rápido y que su comportamiento a ISO alto le resulta suficiente. El mensaje implícito es claro y va contra la corriente habitual: el cuello de botella rara vez es el cuerpo de cámara.
Marcos planteó un ejercicio. Dos fotógrafos, mismo espacio, mismas luces, misma cámara, mismo fondo, mismo retoque. Lo único distinto es la hamburguesa que fotografían: una desordenada y una perfecta. ¿A cuál de los dos contratas?
El concepto que introduce es el de calidad del sujeto, y en danza es brutal. Hizo el cálculo con una amiga bailarina de 26 años del elenco estable del Municipal: sumando solo horas de clase, sin ensayos ni funciones, llegaron a más de 25.000 horas de danza en su cuerpo.
Entonces, si le pides un salto o una pirueta y aprietas el botón, ¿dónde está tu mérito? La respuesta de Marcos no es que no lo haya, sino que hay que ir a buscarlo: aportando una propuesta propia desde el lado de la cámara, y entendiendo que la fotografía de danza es un trabajo de equipo donde también hay maquillaje, vestuario, locación y escenografía.
Acá está su marca personal. La mayoría de los fotógrafos de danza se ubican al fondo del teatro, al centro, con un lente largo. Marcos dice no haber tomado nunca una foto desde ahí: se instala en las esquinas del escenario, lateral.
¿La consecuencia? Pierde el plano completo de la coreografía. ¿La ganancia? Ve lo que el público no vio: las bailarinas tras bambalinas antes de salir, el sonidista al fondo del escenario, las alumnas de primer año mirando con admiración a la bailaora mayor.
"Yo voy a ver cosas que el público no vio, y ese es mi gran objetivo: mostrar fotos que el público no vio."
Marcos propone cuatro categorías de fotografía de danza:
El ejemplo que dio es hermoso. En una gira en San Francisco, fotografió a una compañía donde una bailarina debía bajar y levantarse con una bandeja en la cabeza, y siempre se le caía. En la última función lo logró. La foto muestra a la directora riéndose a carcajadas, diciéndole sin palabras "lo lograste". Esa fue la imagen que ella más valoró de toda la producción.
Marcos fue enfático en que la técnica sigue a la comprensión, no al revés. Dicho eso, los escenarios de danza son de los más exigentes que existen: poca luz, sujetos rápidos y contraste alto. Estos son los equipos que aparecieron mencionados o implicados en la charla y que puedes encontrar en Apertura.
Es el lente que Marcos usa en teatro. La apertura constante de f/2.8 permite trabajar con luz escénica y el rango focal da distancia para no invadir la función.
| Lente | Montura | Apertura | Precio |
|---|---|---|---|
| Canon RF 70-200mm f/2.8L IS USM | Canon RF (mirrorless) | f/2.8 constante | $3.499.990 |
| Canon EF 70-200mm f/2.8L IS III USM | Canon EF (DSLR) | f/2.8 constante | $3.235.990 |
| Sony FE 70-200mm f/2.8 GM OSS II | Sony E | f/2.8 constante | $2.849.991 |
| Sigma 70-200mm f/2.8 DG DN OS Sports | Sony E | f/2.8 constante | $1.799.900 |
| Sony FE 70-200mm f/4 Macro G OSS | Sony E | f/4 constante | $1.729.990 |
Marcos contó una anécdota puntual: en una sesión al atardecer con una bailarina solo tenía "un speedlight chiquitito", y con eso resolvió la fotografía. Un flash compacto da mucho más juego del que se le suele reconocer.
Cuando la pregunta es cómo congelar un salto, la respuesta no está en la velocidad de obturación sino en la duración del destello. Es el principio que Edgerton desarrolló en los años treinta y que Mili aplicó a los bailarines de LIFE: si el destello dura una fracción diminuta de segundo, el movimiento queda detenido, aunque el obturador esté abierto mucho más tiempo. Estos equipos trabajan sin enchufe, sirven en locación y tienen sincronización de alta velocidad para el escenario de "flash con atardecer de fondo" que Marcos describió.
| Flash | Potencia | Duración del destello | HSS | Precio |
|---|---|---|---|---|
| Godox AD100Pro II | 100 Ws | — | 1/8000 s | $365.655 |
| Godox AD200Pro II | 200 Ws | hasta 1/23.500 s | 1/8000 s | $524.900 |
| Godox AD300Pro II | 300 Ws | hasta 1/24.390 s (modo Freeze) | 1/8000 s | $684.900 |
| Godox AD400Pro II | 400 Ws | hasta 1/27.770 s (modo Freeze) | 1/8000 s | $807.491 |
Cerró la charla con una idea: "sean como el bambú". El bambú pasa años echando una hoja mínima mientras construye un sistema de raíces enorme; después, cuando explota, ya no hay quien lo saque. Su consejo: cuando no estés fotografiando, consume danza, estudia, aprende.
Entre sus recomendaciones mencionó libros sobre el cuerpo y el movimiento, De lo espiritual en el arte de Kandinsky como lectura obligatoria para cualquier fotógrafo, y un texto de coréutica —el estudio del movimiento— que permite dar instrucciones precisas a un bailarín hablando de ejes, planos y círculos en lugar de improvisar. También destacó a cuatro fotógrafos chilenos de danza que vale la pena seguir.
Y desmontó un mito: ver danza en Chile no es caro. Una entrada al BANCH ronda los diez mil pesos, la entrada más económica del Teatro Municipal parte cerca de los cinco mil, y los exámenes de grado de las escuelas de danza suelen ser con aporte voluntario. Además, el Teatro Municipal ofrece funciones online una vez que salen de cartelera.
Depende por completo de las condiciones de luz de cada sala. Como referencia, Marcos trabaja en el Teatro Municipal con lente 70-200mm a f/2.8, velocidad cercana a 1/250 s e ISO entre 3200 y 4000.
Depende de lo que busques. Marcos señaló que uno de los fotógrafos chilenos que más admira trabaja casi todo con ojo de pez, porque calza con la danza urbana que registra. No hay una regla.
Siempre. En 25 años, Marcos no ha tomado una sola fotografía sin autorización de la producción, los bailarines y el teatro. Además recomienda saludar primero al iluminador: sin él no hay buena foto, y muchas veces se puede coordinar con antelación.
Sí, aunque Marcos matiza: llevar la cámara sirve para probar distancias y encuadres, no para irse con fotos. Lo que recomienda "brutalmente" es conversar con bailarines y coreógrafos para identificar los momentos que no te puedes perder.
Bastante. Marcos considera que la gimnasia rítmica está muy cerca de la danza, y que la mejor forma de adaptar el estilo es consumir danza en todos los formatos posibles.
Consultado en el cierre, Marcos confirmó que está planificando un taller presencial de fotografía de danza para después de las Fiestas Patrias, trabajando con bailarinas en vivo. Con una advertencia: en sus talleres anteriores, los fotógrafos terminaron bailando. En uno de ballet, los veinte asistentes hicieron barra.
"¿Vas a fotografiar ballet? Pues hay que bailar ballet."
En Apertura llevamos más de 20 años en el rubro de la fotografía, el audio y el video, y este ciclo de charlas es parte de cómo entendemos nuestro trabajo: no solo vender equipos, sino acompañar a quienes los usan. Sigue nuestras redes para enterarte de las próximas sesiones.
